쇼스타코비치를 비추는 그들만의 방식

월간 객석 8월호 / 최성혁 기자

고잉홈프로젝트(대표 손열음)가 올해 탄생 120주년을 맞이한 쇼스타코비치를 조명한다. 올해 시작해 내년까지 이어지는 '쇼스타코비치 전곡 시리즈'에는 공연마다 쇼스타코비치의 작품을 필두로, 역사적 흐름이 얽혀있는 다른 작곡가들의 작품이 한데 엮인다. 시리즈의 시작을 알린 공연 1925'에는 1925년 초연된 거슈윈 피아노 협주곡 F장조와 1924~1925년 사이에 쓰여 그 이듬해 초연된 쇼스타코비치 교향곡 1번이 올랐다.

1부 공연의 거슈윈 협주곡에서 민첩함과 나른함이 공존하는 손열음 특유의 터치는 곡의 전반적인 분위기와 잘 맞았다. 1악장 에서는 타악기 주자들이 발군이었다. 2악장의 도입부에는 관악 연주자들이 마치 대화를 나누는 듯했으며, 노곤한 맛을 한껏 살린 트럼펫과 바이올린 솔로도 인상적이었다. 3악장은 유쾌했다. 손열음은 빠른 질주 속에서도 여유로웠으며, 지휘자가 없는 특성상 긴장감을 유지하는 연주자들도 여기에서만큼은 리듬에 몸을 맡겼다. 즐겁고 만족스러운 연주였으나, 파지올리 피아노의 음색이 이 곡을 십분 살리지 못했다는 점은 아쉬움으로 남았다.

예기치 못했던 선물은 앙코르에서 주어졌다. 거슈윈의 작품들이 손열음과 솔로 연주자의 듀오로 연주됐는데, 뮤지컬 '오, 케이 (Kay)! 중 '나를 지켜봐 줄 누군가'(트럼펫 드미트리 로카렌코프)를 시작으로 오페라 '포기와 베스'의 2중창인 '베스, 이제 당신은 내 여자'(바이올린 스베틀린 루세브)가 이어졌다. 앙코르의 대미는 '파리의 미국인'에 의한 '블루스'(클라리넷 조인혁)가 장 식했다. 10분이 넘게 이어진 앙코르는 20세기 초 미국의 어느 재즈바에 방문이라도 한 듯한 감흥을 불러일으키며 관객들의 탄성을 자아냈다.

쇼스타코비치 교향곡 1번은 보통의 관현악 작품들에 비해 솔로 악기로 연주되는 비중이 많으며, 피아노도 편성된다는 점에서 고잉홈의 특색에 잘 맞는 선곡으로 보였다. 다만, 1악장에서는 연주자들의 합과는 별개로 약간의 어수선함이 맴돌았는데, 폭 풍처럼 몰아치는 2악장을 지나며 차츰 분위기가 정리됐다. 느린 3악장은 의외의 몰입감을 불러일으켰다. 강하게 응축된 소리 는 열기와 서늘함을 동시에 자아내며 기묘한 질감을 직조했다. 4악장에서는 모든 에너지를 폭발시키며 시원한 마무리를 남겼다. 고잉홈의 '쇼스타코비치 전곡 시리즈'는 오는 8월 'The Iron Curtain(철의 장막)'(8.9)과 'The gth'(8.16)으로 이어진다.

Bez berliček přímo k podstatě. O ne zcela běžném večeru v Pardubicích

Roman Marčák, 29.05.2026

Koncerty Komorní filharmonie Pardubice jsou jako sázka na jistotu. Některé však strhnou posluchače ještě více než ty „běžné“. K takovým se zařadil i květnový abonentní večer, při němž se v Paganiniho houslovém koncertu představil bulharský virtuos Svetlin Roussev a na kterém následně zazněla Beethovenova Pátásymfonie. Preciznost šéfdirigenta Vahana Mardirossiana přináší hmatatelné výsledky. 

Paganini a Beethoven, tolikrát slyšené skladby – a přesto bylo něco opět jinak. Ohromující a tuze libý pocit, jejž ve mně, ale evidentně i v ostatních posluchačích, setkání v Sukově síni ve středu 27. května zanechalo, způsobil průsečík dvou siločar charakterizujících principy, na kterých současné vedení orchestru staví své úsilí. První linku tvoří soustavné navazování na to nejlepší, co Komorní filharmonie Pardubice ve své téměř šedesátileté historii díky všem, kteří se na jejím formování podíleli, dokázala, ať už v dramaturgii či v čistotě interpretace, druhou pak postupné naplňování deklarovaných cílů, vzletně nazývaných otevíráním se světu a konkrétně spočívajících mimo jiné v pozvánkách pro významné osobnosti minimálně evropského formátu ujímajících se na pódiu rolí sólistů, ale nyní především v angažmá Vahana Mardirossiana coby šéfdirigenta, který nejen že přiměl hráče komunikovat při náročných zkouškách ve světových jazycích, ale zejména mezi ně vnáší zkušenosti z mezinárodní hudební scény, na níž se nic neodpouští. Náročná práce, ale jinak to nejde, chce-li orchestr v konkurenci obstát.

Niccolò Paganini svou vrcholnou kompozici, jíž je Koncert pro housle a orchestr č. 5 a moll MS 78, v roce 1830 nedokončil. Zachoval se toliko zápis sólového partu a z pokusů o rekonstrukci skladby je nejčastěji využíván ten, pod nímž je od konce padesátých let minulého století podepsán italský badatel a editor Federico Mompellio. Jde o velkolepě koncipovaný doprovod, jenž velmi ústrojně slouží sólistovi – na provedení Paganiniho vlastních not pochopitelně záleží nejvíce. Poměrně dlouhý úvodní orchestrální vstup navodí opakováním hlavního motivu příjemnou atmosféru plnou očekávání, hned od počátku je však patrné, že muž s taktovkou nehodlá vůbec nic podcenit.

Svetlin Roussev, letos padesátiletý, leč navenek působící mnohem mladším zjevem, se v klidu koncentruje a stojí se svými stradivárkami, zapůjčenými bulharským státem, jakoby stranou dění. Do toku hudby se zařazuje náhle a rázně – a pak už je celý prostor jen a jen jeho. Jeho technika je suverénní, pověstné Paganiniho finesy od tradičních dvojhmatů až po pizzicata na hmatníku zvládá s naprostou bravurou a lehkostí. Na jeho způsob hry je přitom třeba si zvyknout, ani v nejmenším totiž nepodléhá jakékoli snaze projevovat se extravagantně, soustředí se zcela na to, co je autorem předepsáno. Možná to na někoho působí až chladně, když sólista nedoprovází svůj výkon gesty a pohyby těla jako jiní interpreti, vyznění díla to však rozhodně neubírá. Právě naopak, nejsme ničím rušeni, uvědomuji si zejména během druhé věty Andante, un poco sostenuto, v níž se Roussevovi podařilo i ze zdánlivě kamenné pozice vykřesat vášnivý oheň tónů. 

Nakonec se ukázalo, že sólistovo poměrně nečekané pojetí publikum oslovilo. Strhla se bouře potlesku, po jejímž konci následovaly dva přídavky. A Svetlin Roussev překvapil i jimi. Dvě části (Rachenitsa a Rhapsody) z cyklu Caprice, op. 1 Petara Christoskova, vycházející z melodiky balkánského folklóru, vynikly rovněž jeho virtuózním nasazením. A třeba někoho i přiměly si o autorovi, u nás prakticky neznámém, vyhledat pár informací. (…)

Zeughaus in Neuss

Ein grandioses Weihnachtskonzert mit Svetlin Roussev

Von Klaus Niehörster, 15.12.2025

Mit Fug und Recht war wieder einmal beglückt mit der Deutschen Kammerakademie zu erleben, welch eine Ausdrucksstärke die Musik bei großen Anlässen entwickelt.

Dieses Musizieren zieht in den Bann. Da mochte sich im wohlgefüllten Zeughaus auch niemand entziehen.

Jedem Besucher war bewusst, dass sich an diesem frühen Abend auf der Bühne Großes zutrug. Den so wunderbar geschlossenen Klangkörper der Deutschen Kammerakademie Neuss am Rhein eigens zu erwähnen, das ist fast müßig, weil allgemein längst hoch geschätzt.

Die großen Überraschungen waren in der Leitung und mit seiner Violine Svetlin Roussev und der Komponist Minko Lambov mit einer veritablen Uraufführung. Anfangs Joseph Haydns 1. Sinfonie D-Dur Hob. I:1 in einer solchen von Wohllaut nur so vibrierenden Weise aufzuspielen, stimmte das erwartungsfrohe Publikum bereits wohlmeinend ein. Lambovs kreierte Suite für Violine und Streichorchester mit der launigen Bezeichnung „Von Sofia nach Wien“ forderte die Zuhörer und wärmte sie auf. Und das nach der Pause dedizierte „Souvenir de Florence“, op. 70 von Pjotr Iljitsch Tschaikowski wärmte die Herzen erst so richtig auf.

Haydns 1. Sinfonie unter mehr als 100 Geschriebenen in ihrer schlanken Besetzung mit Streichern, je zwei Oboen und Hörnern war zeittypisch besetzt und sendete die herzlichsten Grüße aus der frühen Klassik. Das waren Klänge zum Nichtsattwerden, in deren Wohllaut man sich einbettete und deren Richtung der charismatische bulgarische Violinvirtuose Svetlin Roussev entschieden bestimmte. So war es erst recht bei seinem Landsmann Minko Lambov, dessen „neuestes Werk für Roussev“, wie Moderator Matthias Corvin betonte, „eine Begegnung zwischen zeitgenössischer europäischer Musiksprache und den reichen Klangtraditionen Bulgariens und des Balkans darstellt.“ Tänzerische Energie, orientalische Ornamentik, Jazz inspirierte Gesten und weitläufige Melodien waren der Weg zu erstaunlichen Hörerlebnissen.

Die überbordend applaudierenden Zuhörer erhielten vor der Pause eine Zugabe, wie sie unbedingt wünschten: Camille Saint-Saens‘ „Introduction et Rondo Capriccioso für Violine und Orchester, op. 28“. Das war ein wahres Feuerwerk höchster virtuoser Spielkunst von Svetlin Roussev, das die Zuhörer mitriss in einen überschwänglichen Rausch der Gefühle. Zeitlos, über jeder Befindlichkeit schwebend agierte der Geiger Roussev, als ob er mit seinem brillanten Aufspielen nicht gerade die höchsten Schwierigkeitsgrade meisterte. Das war gekonnt, gefühlt, bis in den Kern hinein interpretiert und entführte beinahe in ein Jenseits, das ganz oben anzusiedeln ist.

„Souvenir des Florence, op. 70“ von Pjotr Iljitsch Tschaikowski war das beinahe schwerelos präsentierte dritte Schwergewicht des ereignisreichen Abends. Die scheinbar vertraute Musik wurde völlig neu präsentiert für Augen, Ohren und Seelen. Auch dabei konnte jeder Besucher nachträglich von sich behaupten, dabei gewesen zu sein. Bei diesem unter Svetlin Roussev von der Kammerakademie mit voller Leidenschaft und Verve zelebriertem Stück. Leidenschaftlicher Ernst, der beinahe in ein musikalisches Psychogramm mündet, Wehmut in einem Gefühlsbündel, wie es nur die Musik transportieren kann – das kantable, allgemein bekannte Adagio leitet in versöhnlichere Regionen der Musik. Und schon der erste Satz des Allegro con spirito evozierte geradezu rasenden Beifall. Wobei die Kammerakademie im Stehen aufspielte und lediglich die Cellisten und der Kontrabass ihren Platz sitzend einbehielten.

Kongenial grundierte das Kammerorchester jeden genialisch hochvirtuosen Ausflug des Ausnahme-Violonisten Svetlin Roussev. Jeder Besucher im Saal, der schon viele große Abende erlebt hat, war sich der Besonderheit des samstäglichen Musizierens voll bewusst. Das interpretatorische Verständnis und das Miteinander der Kammerakademie sprangen über und erhellten die derzeit wenig heile Welt da draußen mit ihren Anleihen bei den ganz großen Komponisten. Das allein sorgte bereits für die große Freude, dabei gewesen zu sein.

El espíritu libre de Sibelius y Prokofiev por la Sinfónica de Tenerife y Lazarova *****

By Ramón Pereira Blanco, 15 May 2025

Únicamente dos piezas construyeron este concierto de temporada de la Orquesta Sinfónica de Tenerife, bajo la batuta en esta ocasión de Delyana Lazarova. La directora ofreció una velada de deslumbrante energía, plena de matices y colores, y de una intensidad propia del programa ofrecido y de acuerdo a los requerimientos y exigencias de las obras interpretadas, bajo el principio del espíritu libre, la vida y la creatividad. 

En cuanto al Concierto para violín de Sibelius ofrecido en la primera parte, se trata de una composición sumamente compleja, de accidentada composición y más intrincados varios estrenos tras múltiples revisiones, hasta el punto de que la versión definitiva no fue de nuevo estrenada hasta 1990. Para esta magistral obra, el violinista Svetlin Roussev, quien portaba un Stradivarius, desplegó su maestría desde el primer movimiento, Allegro moderato, de suerte que mostró su mayor momento de lucimiento en la ejecución de la espectacular cadenza, utilizada en este caso, y de manera inusual, como continuación del desarrollo melódico de la pieza. Para el Adagio di molto, de claras reminiscencias de Wagner y Chaikovsky, se evidenciaron si cabe más la total comunión entre batuta, solista y orquesta, alcanzando instantes de solemnidad y virtuosismo rayando en la perfección. Culmina el concierto con el impresionante Allegro ma non tanto, de gran complejidad técnica, con sus dobles cuerdas y recorrido armónico, donde el protagonismo del solista reduce a la orquesta a una suerte de telón de fondo. Para la ocasión, dichos efectos sonoros fueron interpretados de forma tan sutil como adecuada, incidiendo en el dramatismo que impregna este final con la referida combinación de matices, a los que la directora supo extraer la extraordinaria belleza de la creación de Sibelius. La fanfarria final, ejecutada con firmeza y elegancia, detalles desplegados en toda la función, no hizo sino confirmar el gran espectáculo ofrecido, merecedor de los mayores aplausos. (…)

CRITIQUE, concert. PARIS, INVALIDES, jeudi 23 janvier 2025. « Ici Londres » : Beethoven, Bizet, Chausson, Ravel… Orchestre symphonique de la Garde républicaine, Svetlin Roussev, violon / Bastien Stil, direction

Par Alexandre Pham, 28 janvier 2025

Somptueux (et généreux) programme présenté sous la nef de la Cathédrale Saint-Louis des Invalides, le concert du 23 janvier promettait l’éclat et le raffinement des grandes soirées symphoniques. Pari tenu et même dépassé à l’écoute de partitions qui sont autant risquées que flamboyantes.

Après une Marseillaise aussi habitée que brillante, le maestro Bastien Stil, 10ème chef de la phalange et qui dirige ce soir son premier concert de la saison, engage toutes les ressources de l’Orchestre de la Garde Républicaine dans l’ouverture « Patrie » d’un Bizet qui est en 1874, maître de ses effets et ici, (répondant à une commande de l’Orchestre Pasdeloup), à la fois conquérant voire martial mais fabuleusement miroitant ; l’écriture impérieuse et conquérante, n’écarte pas de superbes vagues d’une volupté assumée (aux violoncelles entre autres), soulignant de la part des instrumentistes, leur capacité ciselée dans la puissance comme dans le détail et la nuance.

Fleuron de ce programme ambitieux, le Poème pour violon et orchestre d’Ernest Chausson qui révèle toute la science de l’élève de Massenet, surtout de César Franck dont il partage le goût des harmonies raffinées, du principe cyclique avec cette allusion saisissante pour la texture miroitante, sulfureuse, vénéneuse de Wagner. La partition est d’autant plus maîtrisée qu’elle est l’une des plus tardives (1896), étonnamment rare au concert, en raison de la difficulté exigée aussi bien de l’orchestre que du soliste ; défi relevé et avec quel style par les interprètes de ce soir : la compréhension de la pièce faussement libre et improvisée (en réalité très savamment architecturée), la fluidité raffinée en partage chez tous les pupitres (de l’alto primordial à la harpe aux scintillements franckistes…), l’attention du chef aux passages harmoniques, les phrasés en nombre, l’acuité des timbres admirablement détaillés, – c’est à dire individualisés mais en communion, … la pâte globale de la phalange, d’une transparence voluptueuse tout du long, composent une soie magicienne, à la fois enivrée et construite pour le soliste, le violoniste bulgare Svetlin Roussev, au son clair et vaporeux à la fois, dont le verbe articulé, poétique, dans une sonorité comme hallucinée et suave, produit cet envoûtement tant espéré de l’auditeur. Le pouvoir et la puissance de l’amour y sont exprimés avec une ineffable intensité dont pourtant les instruments, soliste en tête, savent préserver tout le mystère intranquille. L’orchestre produit une houle texturée, ample et souple qui sous la direction du chef se fait lave incandescente et feutrée. Exquise équation magnifiquement réalisée ce soir.

Au mérite du violoniste vedette, revient la lecture dans le même concert, en première partie, du Concerto pour violon de Beethoven, portique majestueux de 1806, et en réalité d’une tendresse infinie, qui souligne l’un des axes du concert, l’esprit de réconciliation entre France et Allemagne. Ainsi en avril 1943, Yehudi Menuhin donnait ce même programme (d’où le titre du concert : « Ici Londres »). Les dimensions nobles et d’une lumière intérieure souvent irrésistible doivent beaucoup au sentiment qui exalte alors l’inspiration du compositeur : bien que son opéra Fidelio n’ait pas eu le succès attendu (fin mars 1806), la période est heureuse, portée par l’amour de la fiancée secrète de Ludwig, Thérèse von Brunswick. Chef et instrumentistes soulignent d’ailleurs à juste titre l’entente entre l’orchestre et la partie du violon solo, continûment habitée par un sentiment aussi dense qu’éperdu, comme suspendu dans une sérénité épanouie. Le son de Svetlin Roussev éblouit au sens strict, par sa finesse d’intonation, son sens organique du chant, sa virtuosité brillante, jamais démonstrative mais au contraire comme mesurée et toujours contenue par un admirable sens de la pudeur. Comme dans le Chausson, le Larghetto, dans l’esprit d’une romance libre, fantaisiste même, fait surgir un climat de rêve voire d’extase où brillent en particulier ce soir les cors et les clarinettes, dialoguant remarquablement avec le violon solo. (…)

스베틀린 루세브 바이올린 독주회

1월 11일 오후 2시

요제프 요아힘, 파블로 데 사라사테를 잇는 바이올리니스트 외젠 이자이 (1858~1931)는 요제프 시게티(1892~1972)가 연주하는 바흐 무반주 바이올린 소나타 1번에 영감을 받아, 현대 바이올린의 주법을 망라한 독주 바이올린 을 위한 소나타 전곡(1~6번)을 작곡했다. 작품은 여섯 명의 바이올리니스트 (요제프 시게티•자크 티보•제오르제 에네스쿠•프리츠 크라이슬러•마티유 크릭 붐•마누엘 키로가)에게 헌정되었는데, 각 연주자 특유의 음색과 주법 등을 녹여낸 여섯 개의 소나타는 고도의 연주력과 음악적 감각을 요구하며 바흐, 파가니니와 더불어 바이올리니스트들이 거쳐야 하는 필수 레퍼토리로 자리매김했다. 완벽한 기교와 난도 높은 테크닉을 요구하는 이 작품에 스베틀린 루세브가 도전장을 내밀었다.

1월 11일 6시간의 간격을 두고, 오후 2시 공연 이자이와 8시 공연 파가니니(독주 바이올린을 위한 카프리스 1~24번)의 대작을 선보이는 '더블헤더' 중 낮 공연으로 향했다. 이자이의 독주 바이올린을 위한 소나타 전곡 연주를 앞둔 순간이었다.

첫 곡인 1번은 이자이가 소나타 작곡의 계기를 제공한 요제프 시게티에게 헌정한 곡이다. 스베틀린 루세브는 시작부터 무반주 바이올린 소나타의 매력을 한껏 증명하듯, 바이올린 한 대만으로 챔버홀을 가득 채웠다. 특히, 4악장에서 더블스톱을 자유자 재로 소화하면서도 유연하게 활을 다루는 노련함이 엿보였다. 2번은 바흐의 파르티타 3번 BWV1006의 전주곡과 '진노의 날 (Dies Irae)'의 주제가 번갈아 등장하며 시작됐다. 화려한 1악장을 지나 2악장에서 한 템포 쉬어가듯 약음기를 낀 채 느릿하지만, 정교하게 연주하는 모습이 인상 깊었다. 1부의 하이라이트라고 할 수 있는 3번에서는 아르페지오, 트레몰로, 더블스톱으로 이어지는 고난도의 기교를 소화하면서도, 활 전체를 넓게 사용하며 무반주 바이올린 공연에서 느낄 수 있는 시각적 카타르시 스를 함께 선사했다. 1부가 끝나고, 청중은 끊임없는 박수로 그의 연주에 화답했다.

2부에서 흰 셔츠로 갈아입고 등장한 루세브는 마치 처음 무대에 오른 듯, 새로운 에너지로 4번을 시작했다. 느린 2악장과 활기 찬 3악장을 지나 여섯 개의 소나타 중 6번과 더불어 난곡으로 손꼽히는 5번에 다다랐다. 1악장과 2악장 내내 네 개의 현을 넘 나드는 거대한 아르페지오를 소화해 내는 그의 연주력은 청중을 압도하기에 충분했다. 마지막 곡인 6번은 그 난도를 증명하듯 높은 음역의 글리산도로 시작해 같은 글리산도로 끝을 맺었다.

1번부터 6번까지 화려하고 정교한 연주를 선보인 루세브에게 기립 박수가 쏟아졌다. 무엇보다 여섯 개의 난곡을 흔들림 없이 연주한 그의 스태미나가 돋보인 무대였다. 앙코르는 파가니니 독주 바이올린을 위한 카프리스 1번과 24번으로, 이어질 그의 저녁 공연을 기대하게끔 했다.